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凯蒂·奥哈根苏格兰裔艺术家，她出生并成长于苏格兰北部海岸，那里偏远的自然环境和社区生活塑造了她早期的艺术兴趣。从小她就对肖像画情有独钟，经常在父亲经营的酒吧里为顾客素描，这些经历培养了她对人物描绘的敏感性。高中最后一年，她才正式上艺术课，但她的艺术老师弗格斯·马瑟注意到她为比赛绘制的海报，并鼓励她申请艺术学院。她随后进入爱丁堡艺术学院学习设计、金属加工和银器制作。 

毕业后，奥哈根移居美国纽约，没有明确计划，她先从事服务员工作，随后在电影和电视行业工作了十多年。在此期间，她虽有创作冲动，但并未系统追求艺术。2004年，在生下两个女儿并搬离城市后，她突发奇想开始尝试油画，从一位朋友儿子的肖像入手。这次尝试让她感到“非常合适”，她利用孩子午睡和夜晚时间作画，通过参观博物馆和自学试错逐步掌握技巧。 

她的早期作品多为肖像委托，如为家庭成员创作的统一背景系列肖像（例如《Janet》、《Steve》、《Stephen》和《Esme》）。2010年后，她的创作转向更具野心和心理深度的作品，这段时间促使她创作了标志性作品《Life Raft》（救生筏），象征情感动荡和自我重建。 
她将自家车库改造成工作室，并在网上分享作品，获得积极反馈，进一步鼓励她探索个人主题。近年来，她的艺术生涯包括参与群展，并与偶像艺术家如伯特·西尔弗曼（Burt Silverman）合作。 

在绘画主题上，奥哈根的作品以人物和肖像为主，早期聚焦于直白的家庭肖像和委托创作，强调现代审美和统一性。她的主题转向更内在的心理探索，常常描绘女性在孤独、焦虑、遗弃、孤独、内省和危机中的状态，这些作品被称为“悲伤女士”系列，反映了她个人情感旅程。 例如，《Tamed》（驯服）受罗斯玛丽·肯尼迪（Rosemary Kennedy）的脑叶切除术启发，表现怨恨与顺从；《Dirty Laundry》（脏衣服）探讨社区审视下的偏执；《Pity Party》（怜悯派对）则赢得艺术家杂志竞赛奖项，捕捉内省情绪。 

她的许多作品源于日常生活灵感，如歌曲歌词、服饰或偶遇的面孔，并融入自传元素，如自画像，强调情感的真实性和深度。 
这些主题不仅是个人宣泄，还探讨普遍的人类经验，赋予作品叙事性和情感张力。艺术风格方面，奥哈根自称现实主义画家，但她的风格更偏向直观和本能，而非严格的学术派。她从委托肖像转向更个人化的具象作品，避免传统肖像的拘谨，转而追求心理深度和叙事元素。 
影响她的艺术家包括丹尼尔·斯普里克（Daniel Sprick）、保罗·W·麦科马克（Paul W. McCormack）和伯特·西尔弗曼、卢西安·弗洛伊德（Lucian Freud）和詹妮·萨维尔（Jenny Saville）的原始能量，尽管自身作品更注重情感细腻而非极端表现。 

 她的风格演变体现出从外部描绘到内在挖掘的转变，作品往往带有梦幻或诡异氛围，如《Harvey Girls》（幽灵般的女孩）和《Breakneck》（威胁性的公牛场景）。在绘画技法上，奥哈根完全自学成才，使用油画颜料，几乎全部基于照片参考（通常5-12张），因为工作室狭小，无法容纳真人模特。她不做传统准备草图，而是直接用颜料作画，从一只眼睛开始，确保比例准确，然后用稀释的颜料（加松节油）快速勾勒头部（4-5小时），再阻塞大形状，使用更多颜料加速进程。 

 她的人物面部通常具有高度的现实主义精度（尤其是眼睛），而背景则处理得较为松散、抽象或带有超现实色彩。画面中常有一种“未完成”或“悬置”的感觉，这种张力源于她对人物内心世界的关注，而非单纯的外貌描绘。无论是描绘陌生人还是亲友，她都能赋予画中人一种独特的疏离感和故事感，仿佛他们正从记忆深处浮现。她同时处理多幅作品，逐步精炼细节如手部，早年避免画手，如今已熟练。这种技法强调错和直觉，适合她的生活节奏，但她也考虑实验新风格以提高产量，同时坚守现实主义。