微精选

     匈牙利当代摄影艺术家弗洛拉·博尔希的创作主题集中关注个人身份、关系、情感和梦想。她擅长使用高超的后期处理来创作超现实的图像：她熟练地将黑暗的幻想和大气的梦境形象化，利用不可思议和巧妙的隐喻，同时解开了在城市世界中思考、感受、梦想和表达的含义；她的作品经常以女性身体为特色，隐藏和揭示眼睛或脸部，留下较为女性的特征，探索代表女性的元素以及身体与自我之间关系的问题。
     当自拍成为当代人记录存在的日常仪式，弗洛拉用一组惊艳的 《时光旅途》，为这一行为赋予了跨越世纪的浪漫！她让自己的身影与 20 世纪的文化巨擘们自然同框，用数字技术搭建起一座连接过去与现在的影像桥梁。这些看似轻松的“合影”背后，藏着对时代记忆的敬畏、对技术美学的深耕，以及人类共通的时空遐想。
     这些作品的魔力，在于它们精准捕捉了“自拍”行为的本质——不是对容貌的炫耀，而是对 “在场” 的确认。弗洛拉巧妙地利用了这种当代行为与历史语境的张力：当 21 世纪的自拍姿态出现在黑白老照片中，当她手持无形的“手机”与爱因斯坦讨论公式，当她用现代人的松弛感俏皮地回应奥黛丽·赫本的凝视，这种时空错位反而让历史人物从教科书的刻板印象中“活” 了过来。他们不再是遥不可及的符号，而是能与我们共享一个镜头、一个微笑的 “同代人”。
     在技术泛滥的今天，弗洛拉的创作更像一场温柔的提醒：PS 工具的价值从不在于制造虚假，而在于实现那些无法被物理法则允许的情感连接。《时光旅途》最动人的地方，或许正是它戳中了人类共通的愿望——我们都曾幻想过穿越时空，去触摸那些塑造了时代的灵魂。而弗洛拉用像素与代码，将这份幻想变成了可触摸的视觉诗，让每个观者都能在这些照片中，找到自己与历史对话的可能。
     当我们凝视这些影像时，看到的不仅是技术的胜利，更是一场跨越百年的精神拥抱。在弗洛拉构建的时空褶皱里，自拍杆与老式相机达成了和解，当下的呼吸与过去的心跳产生了共振 —— 这或许就是数字时代最浪漫的艺术表达：用最现代的技术，致敬最永恒的人性。

奥黛丽·赫本

Q:

    弗洛拉·博尔希：我从11岁起就开始学习摄影后期处理了。之后，我决定创作自己的作品，所以我必须从最基础的摄影知识学起。我想创作完全属于我自己风格的摄影作品。从那时起，对我来说，摄影不在是简单的后期处理，它变得更加重要，也更加有意思。

Q:

    弗洛拉·博尔希：概念摄影对我来说就是一切。在我意识到，当我只是拍照，并没有传达信息时，吸引不了观者的目光；而当我在作品中用到一些概念时，我会观察观众的表情，每个人都停下来开始思考，我就爱上了概念摄影。我所创作的每一幅作品中都隐藏着某种意义。对我来说，找个概念进行创作还是容易的，因为我经常将自己的情绪通过作品表达出来，也有一些个人生活中的事情。如果我处于非常放松的状态，生活中没有什么事情发生，我会从目前比较流行的作品中寻找灵感。我会把不同的概念结合在一起。因此，每当我受到摄影师作品的启发时，我会尝试稍微调整，通过其他人的概念来创造一个不同的概念。我认为对每一个艺术家来说，有自己的观点，有自己的人生观是非常重要的，并向别人传达我们的信息，作为艺术家，要表达我们自己，不管是真实的，还是超现实的，它也必须对观众产生一定的影响。为此，概念摄影是最好的方式。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我很喜欢通过超现实主义来表达自己，因为我喜欢在现实中创作超现实的梦想。它总是让我兴奋，而且我也总会想着我还能够创作什么样的作品。在我还很小的时候，我会画一些在现实中看到的东西时，这让我感到很无聊。我一直在想，我是否能画出别的东西来，那些不存在的事物。青少年时期，我开始对摄影感兴趣，并且开始喜欢创作超现实主义主题的艺术家。

    我爱上了超现实主义，因为它没有任何限制，只有我们的想象力。我可以在画面中表达我的情感、释放自己的情绪，我想要追求的自由、在受到伤害后的自我疗伤，以及任何天马行空的想象，都可以通过超现实作品来表达出来。

郭宬：您大概是从什么时候开始创作“与名人自拍”项目的？为什么要创作这样的一组作品？

Q:

    弗洛拉·博尔希：我很喜欢通过超现实主义来表达自己，因为我喜欢在现实中创作超现实的梦想。它总是让我兴奋，而且我也总会想着我还能够创作什么样的作品。在我还很小的时候，我会画一些在现实中看到的东西时，这让我感到很无聊。我一直在想，我是否能画出别的东西来，那些不存在的事物。青少年时期，我开始对摄影感兴趣，并且开始喜欢创作超现实主义主题的艺术家。

    我爱上了超现实主义，因为它没有任何限制，只有我们的想象力。我可以在画面中表达我的情感、释放自己的情绪，我想要追求的自由、在受到伤害后的自我疗伤，以及任何天马行空的想象，都可以通过超现实作品来表达出来。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我在15岁时被诊断出乳房有肿瘤时，摄影成了我最大的爱好。当时，我真的很害怕死亡。所以，我意识到我可以通过艺术作品而不朽。如果我给自己创作自拍作品的话，那么我也会在未来留下痕迹。于是我在2013年开始创作了自己和名人自拍的这个系列，我想探索’自拍’现象的无限可能。幻想着若能回到过去与传奇人物合影会怎样？我好奇自己与那些逝去的好莱坞巨星、科学家、艺术家同框的模样。这不仅是追求一张自拍照，更是想感受这些跨越时空的精神力量。之后它在全世界范围内广受欢迎。它登上了雅虎、《卫报》和《每日邮报》的首页，之后就全网都在争相报道这个系列作品。当时我只有20岁，然后我收到了来自美国、中国等世界各地的很多采访邀约，我需要先考虑几个晚上，然后才能处理这些邀约。

    不过在我做了这个系列之后，就有一些人模仿我的作品，他们还用我的概念做展览，有的人还获了奖，尽管这个概念并不是完全由我原创，因为你可以在美国电影中获得这个灵感，比如九十年代的一部电影，但我还是有些难受。我认为我在20岁的时候，就已经尽了最大的努力创作这组作品，当有人把整个概念都拿走并声称这是他们的想法时，这就不太好了。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我对自己的创作还是比较有想法的，一般情况我会把自己想象的画面先画个草图出来，并根据拍摄给自己化各种妆容，或者添加一些东西。我也喜欢创造拍摄场景和制作一些元素，然后和他们一起拍摄。我会把相机放在三脚架，使用自拍器进行拍摄。通常，我都会将图片需要的元素一个个拍摄好，然后我会花很长时间把他们放在同一幅作品中。给作品着色，并尽可能的美化细节。经过这个多图层叠加的过程，之后就是最终呈现的作品。

    以《时光旅途》这个系列为例，最初就是一张老照片，很显然里面没有我的。拍摄前我逐帧分析原片的布光、透视、景深、伽马值、噪点类型甚至JPEG压缩痕迹，然后先用笔画出在这个照片中我的位置，再去选择符合当时年代的服饰，化什么妆容，考据各个年代的时尚发型，因为这些都要符合照片中的场景。再按相同技术参数拍摄自拍，最后用数字技术对照片进行’做旧处理’。当我完成这一系列工作后，再通过PS将两者合并在一起。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我收集了一些作品，用于激发自己的创作灵感。我认为在寻找灵感时，照着自己喜欢的东西找，这一点是非常重要的，因为我看到很多摄影师在测试各种风格的摄影，这个不行换另一个。寻找灵感的时候，我觉得有一个自己特别喜欢的艺术家就非常好了，我从互联网上获得灵感，当然，我也会去Pinterest网站看看其他摄影师的作品。同时，如果电影里有很刺激的场景，我就会想，我能稍微稍微改变一下这个场景，创作自己的东西。有时候我听着音乐在城市里漫步，什么都不想的时候，脑海中浮现出一幅幅画面，每当我寻找灵感的时候，我就会想，这世界上有多少有才华的艺术家，有多少比我优秀的艺术家？这激励着我去创造更多更好的作品。所以如果没有其他艺术家 ，我就不会有灵感。

   如果有摄影师在寻找创作概念或者超现实主义的灵感，我有一个非常好的建议，你可以从一个摄影师那里得到一个概念，然后再从另外一个摄影师找另一个概念，然后把它们拼在一起，你就创作了一个新的概念，这样就会创作出属于你自己的一个超现实的概念摄影作品。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我认为大部份人自拍和我所做的自拍人像的区别在于出发点。因为大部分人拍自拍都是想展示自己的外貌，她们会加个滤镜，让自己感觉良好。这只是为了获得良好的自我感觉。

而我创作的自拍作品显得要严肃得多，而且技术设备也明显更好。对我来说，在作品中传达一个具体的信息是最重要的。在我的自拍作品中，这中间有很多我没化妆的照片。老实说，我看起来很丑，但我不在乎，因为照片要传达的信息不是“我”。我喜欢化不同的妆，戴不同的假发，在画面中扮演着不同的角色，这样我本人已经不重要了，而要在画面中传递的信息、表达的情感和情绪则更加重要。我希望观众看到这张照片时，关注点不是放在模特的皮肤有没有什么问题，而是觉得这是一幅令人过目不忘的好作品，后期修图非常完美的。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我的作品能成为2014adobe premiere Pro封面图片，并且还成为adobe photoshop 25的一员，说心里话现在想起当时收到邀约的时候都还感觉自己在做梦，这在我的职业生涯中我所获得的最大成就，也说明了业界对我的后期水平的认同。

应该说，PS是一个强大的工具，用好了，它会给你作品增色，用的不好可能也会毁掉你的作品，这都取决于你想通过PS来实现怎样的效果。在超现实主义的概念摄影中，PS有着举足轻重的作用，它是我们实现视觉愿景的工具，并尽可能地匹配那个愿景。对于艺术家来说，我们应该将这个工具用好。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我的创作动力一般来自于自我鞭策，我总觉得自己在当下创作的作品还不够好，可以做得更好。我的每一幅作品也都验证了这一点：我可以创作出更好的作品！我总是抱怨自己做的最好的作品，并且不满足于此。所以实际上，这是一种我无法控制的驱动力。它来自于我的内心深处。因此，有时候我必须放松下来，不进行任何拍摄，让自己找寻到更多的灵感。

    我的创作动机还来自于艺术世界。我想如果没有艺术，这个世界将会糟糕透了，让人窒息。每当人们看到展览开幕时，他们就会兴奋起来，因为他们可以感受到艺术带给我们的东西，那就是快乐和幸福，没有其他任何东西能带来同样的效果。最棒的是，我们的艺术就是让别人快乐。看到别人感到快乐了，就是让我也感到快乐，这样就陷入了一个由艺术创作带来快乐的无限循环。如果我能分享一点建议的话，我觉得摄影的主要目的不应该是作品给我们带来的成就或金钱，主要是我能够启发并为之创作的人。这给了我很大的鼓舞，远比成功或金钱更加重要。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我觉得可以称的上“好作品“，需要创作概念非常清晰。好作品会让观者在你的作品前驻留，然后会想，这是发生了什么？艺术除了带给人们快乐之外，还能让他们停下来思考。对比我的早期作品可以看到，我在通过使用象征手法来传达信息这方面的发展。最早的概念作品我可能会更关注于“我”，有点小自私；而现在，我主要关注的是创作的理念，而不是“自我”。

演员哈罗德·劳埃德在电影《Safety Last！》中的经典一幕

Q:

    弗洛拉·博尔希：作为一种媒介，摄影始终对变革持开放态度，但我认为人工智能正在从根本上重塑我们对当下摄影概念的认知。关键在于区分两类创作者：一类基于现有摄影作品和视觉素材进行生成创作——这些素材汲取了全球艺术家与摄影师的集体智慧；另一类则从事原创摄影创作。

就个人而言，我不认为AI生成的图像是真正的艺术。在我看来，它们与摄影存在本质区别。不过作为同时从事平面艺术并深耕摄影后期领域的创作者，我愈发难以清晰界定合成摄影与AI生成视觉作品的边界。

从我的创作立场出发，我始终将摄影视为表达内心的媒介。创作流程中的每个环节都建立在基于摄影素材的、有意识的决策之上。因此当Photoshop中的技术性操作可通过AI简化（尤其是那些原本需耗费数小时的工作），我认为在辅助性编辑环节使用AI工具符合伦理。但若仅凭几行文字指令就生成完整图像——既无原创素材又无个人智慧投入，且成果完全依赖机器的随机性——这便脱离了人类思维的范畴。此类图片本质上是机器逻辑的造物。

    我坚信机器无法如人类般参与艺术创作。我们将灵魂注入作品，而AI产物恰恰缺失这种灵魂特质。对我而言，这才是最根本的差异所在。

这种现象着实吊诡，艺术本应是人类超越机器、通向永恒的圣殿，但是人工智能这项非凡技术，竟在最具人性光辉的艺术领域获得最快接纳。

Q:

    弗洛拉·博尔希：我的建议是，要做自己。首先要审视自己的内心，自己真正的内心想法是什么，视觉观念是什么，梦想是什么，感兴趣的艺术点是什么？其次作品的原创性是最重要的。通过模仿别人，可以取得一些成功。但艺术家永远不会感到满足，因为这不是他自己的想法。每当我实现自己的想法创作出好作品，我就会感到无比地幸福！第三，我认为练习是非常重要的，这是培养一个人耐心的最好方法。艺术创作需要耐得住寂寞，所以足够的耐心可以让人静下心来沉淀下去创作出好作品。