授课导师简介
郭宇：中国戏曲导演学会副会长，中国戏曲表演学会顾问，上海市戏剧家协会理事，上海戏剧学院表导演研究生导师。长期根植于话剧以及戏曲的表导演教学和舞台剧创作，包括电视文艺节目领域。
执导过诸多大型电视晚会与多种专题电视节目，作为导演与策划开创了享誉上海的沪语电视情景系列剧《红茶坊》，并多次执导过上海“白玉兰戏剧表演奖”颁奖晚会等多种大型晚会。
导演作品有：话剧《大明四臣相》《大马戏团》《大世界》等；昆剧《紫钗记》《拜月亭》《宝黛红楼》，新版《拜月亭记》和最新的现代多媒体昆剧《自有后来人》等，包括京剧《朱莉小姐》《驯悍记》；越剧《凄凉辽宫月》，高甲戏《美女与野兽》，甬剧《众家姆妈》，音乐文献剧《小沙渡》等舞台剧目。
目前担任上海“白玉兰戏剧表演奖”评委，上海文化基金会评委。曾荣获国家文化及人事部“全国文化系统先进个人”荣誉称号。
在《新华文摘》《光明日报》《中国文化报》《艺术评论》《中国京剧》《戏剧艺术》《戏曲艺术》《上海戏剧》等报刊发表过多篇文章。主编过多部戏剧戏曲类专著，出版个人戏剧专著《池边戏语》。
2025年11月3日下午，郭宇老师的授课围绕“戏曲与话剧导演艺术的异同及建构方式”这一主题展开，他先提出舞台设计需理解设计对象的本质、戏剧以文学为底蕴、舞台设计是艺术表达等观点，再从多个方面对比分析。
郭老师开篇讲到，在舞台设计上，话剧本质单一，需要依赖具体物质环境。戏曲含348个剧种，以“四功五法”为核心，对空间需求更大，设计难度更高。表演上，话剧重“写实”与台词，以“体验派”呈现人物个性与戏剧冲突；戏曲重“写意”与程式化表演，借“唱念做打”抒情表意。
他总结出二者的审美特征：话剧依赖物质建构，观演关系灵活；戏曲时空自由，需在传统与时代化间找平衡。郭老师还提及两者在容装造型、布景道具上均趋精致化，在舞台设计上都受到了科技的影响。
一、核心基础：舞台设计三大核心认知
1. 起源与范畴
舞台设计伴随戏剧起源逐步演变，其源头可追溯至先秦祭祀，当时祭祀所用的道具、装饰等器材，已具备“表演”伴随性的“舞美概念”。它涵盖舞台表演中除表演与音乐外的全部艺术建构，是有着明确源流的艺术形式，并非凭空产生。
2. 文学性
戏剧成熟的核心标志是文学加入，以文学为底蕴，用戏剧故事形态反映人生，其本质与“文学是人学”相通。剧本创作难度极高，高尔基称其为“最难运用的文学形式”，谭霈生在《论戏剧性》中也强调，剧本仅能依靠人物自身台词塑造形象，无法像小说那样通过作者叙述补充。
当前戏剧普遍存在“有形式但无戏”的问题，如故事逻辑不清、人物行为缺乏有机性，核心原因是缺乏戏剧性表达，因此需高度重视剧本文学性，导演应在尊重文本基础上进行“陌生化”二度创作，避免脱离文本随意改编。
3. 本质：艺术表达
舞美设计并非“技术活”或“匠人之作”，而是艺术家以物质为载体，对生活与艺术进行的视觉解释与感性表达。其核心是为表演者提供“或虚或实”且利于“动作性”表达的空间，设计者需具备超越常人的人生与社会解读能力。
动作是表演艺术的基础，斯坦尼斯拉夫斯基直言“在舞台上需要动作”，梅耶荷德认为“动作是戏剧表演最有力的表现手段”，戈登·克雷也强调观众“是去看行动的”，中国戏曲更是以程式化动作塑造人物、创造舞台环境。
当前，灯光设计的作用日益凸显，有时甚至可替代舞台设计的间隔功能。并且舞美设计必须紧跟科技前沿，熟悉新材料运用，确保设计不落后于时代。
二、戏曲与话剧的核心差异
1. 本质与表现形式
戏曲：以“四功五法”（唱、念、做、打；手、眼、身、法、步）为核心原则，是承载中华文化的“非物质文化遗产”，体量超大、内容繁杂，涵盖348个剧种（最新官方统计），不同剧种风格差异显著。表演以“表现技巧”为前提，通过程式化动作对情节、情感进行“限定性呈现”，对舞台空间需求较大，需为演员肢体表达留足空间，舞美设计必须与程式技法同步，若脱离“四功五法”，戏曲便失去本质属性。
话剧：无明显超越“正常身体行为”的纯技术表达，以还原人自然状态为手段，核心是表现人物个性与“戏剧冲突”，依赖具体物质“支点”（如沙发、桌子）。对话是建构冲突的关键，分为“与对手斗、与自然斗、与内心斗”三种模式，通过“行动”（区别于瞬间“动作”，是持续的过程）推进情节。话剧舞台表现空间巨大，舞美设计可无限创新，甚至能反过来引导导演思路，风格涵盖现实主义、超现实主义、象征主义等多种类型。
2. 美学基础
戏曲：源于中国古典美学“写意”传统，核心追求写意与表现，彰显舞台假定性，明确演员“在演戏”。通过“四功五法”提炼、美化生活，强调“神似”而非“形似”，注重“意境”营造，完美契合王国维“戏曲者，谓以歌舞演故事也”的定义，不追求制造现实幻觉，而是以艺术化的程式传递美感。
话剧：源于西方亚里士多德“模仿论”，核心追求写实与再现，力图在舞台上创造接近生活幻觉的世界，以“真”引发观众共鸣与思考。即便采用现代派、象征主义等风格，内在逻辑仍是对人类真实处境的隐喻，本质是通过“模仿生活”传递情感与思想。
3. 表演艺术
戏曲：程式化，以“四功五法”为固定规范。“唱”是首要选择，以声腔特色承载人物情感，如“四大名旦”“四大须生”均以声腔辨识度立足；“念”含“口白与韵白”，对音乐性、音韵与节奏要求严格，需注重尖团字、入声字的表达；“做”是小范围身段动作（如卧鱼、圆场、抖髯口），兼具表意、抒情与艺术美感；“打”包含大范围动作与武打，既有开门、行船等虚拟化程式，也有踢出手、档子等武戏场面，部分场景还需边舞边唱，表演高度程式化且规范性强。
话剧：体验派以“台词（对话）”为核心，台词有明确“对象”，通过“与对手斗、与自然斗、与内心斗”建构戏剧冲突。动作与台词相互辅助、循环互动，推动情节发展。语言表达虽经提炼美化，但基础遵循现实逻辑，注重演员对角色情感的真实体验。表演带有一定即兴性，如同一角色不同场次的语言节奏、调度可能存在差异。
4. 舞美设计要求
戏曲：设计难度大于话剧，需同时兼顾表演空间、舞台环境空间与环境审美效果，避免不理解戏曲“限定性”特点或盲目跟风（如过度堆砌实景、套用话剧式表达）。需遵循“守正创新”原则，以“创造性转化、创新性发展”的态度传承，确保设计辅助“唱念做打”呈现，而非限制演员表演。传统戏常以“一桌二椅”为基础，现代戏可适当融入LED屏、多媒体等科技元素，但需保持写意风格，不可过度写实导致失去戏曲特色。
话剧：舞美设计无明确限定，注重“写实”，需为演员提供更多物质支点，通过空间设计配合表演增强戏剧效果。设计常与“幕与场”结构结合，部分现代话剧也借鉴戏曲“场次”结构，可运用多种风格，实景运用较多，只要与文本、表演匹配度高，任何创新表达方式均可尝试。
三、行业现状及问题
1. 创作痛点
郭老师提到，新编戏成活率极低，多数“评奖即停演”，缺乏长期演出价值；戏曲存在“话剧化”倾向，过度借鉴话剧写实风格，丢失自身程式化特色，部分舞美设计忽略“四功五法”需求（如设置过多平台影响演员肢体动作）；话剧与戏曲同质化严重，剧种辨识度不断降低；戏剧文本质量参差不齐，部分导演存在随意修改剧本、不尊重文本的情况，导致作品缺乏核心逻辑。
2. 舞美与服化问题
部分戏曲舞美存在“隐蔽花钱”现象，如看似简洁的移动平台，实际制作、运输成本极高；新编戏服装常设计怪异，仅能为单一剧目服务，导致剧团库存积压严重；服化质感对作品品质影响显著，但部分创作中服装投入仍不足，材质廉价、设计粗糙，拉低整体艺术水准。
3. 人才与生态
上戏、中戏等院校话剧教学体系完善，而戏曲导演课程多为“点缀式”，缺乏系统教学；戏曲演员转型话剧/影视具备天然优势（如秦海璐、徐帆），但需保留戏曲功底才能形成差异化竞争力；行业内演员知名度远高于导演、舞美设计师，部分院团存在评奖“搞浆糊”现象（如仅出场一场的演员申报配角奖），破坏行业公平性。
四、发展建议
1. 遵循艺术规律
戏曲需坚守“以歌舞演故事”核心，在“四功五法”基础上创新，避免极端改革（如取消打击乐），可借鉴《沙家浜》《智取威虎山》等现代戏在传统与现代间的平衡技巧；话剧需注重文本与舞美匹配，避免设计脱离表演，确保舞美服务于戏剧冲突与人物塑造。
2. 优化舞美与服化
戏曲舞美需“精准对标剧种”（如采茶戏忌用大实景），尽可能让舞台“空”以留足表演空间，同时适度融入时代元素；话剧舞美需服务冲突表达，注重空间与表演的立体配合。两者均需提升服化的质感，戏曲服装可兼顾传统与现代审美，减少“一次性设计”，话剧服装需贴合角色身份与剧情设定，增强代入感。
3. 提升行业生态
郭老师强调，有必要加强剧本文学建设，建立优质剧本孵化机制，强化导演对文本的尊重；培养“通才”型人才，舞美设计师、化妆师等需了解表演、情节，导演也应掌握基础舞美知识，促进各环节高效协作；注重戏曲演员基本功传承，同时注入更多情感表达，避免仅追求技巧而忽略人物塑造；话剧需保持“讲人话”（贴近生活语言）的本质，避免过度追求形式创新而忽略内容深度。
五、经典案例参考
1. 戏曲
郭老师列举了几部戏曲作品，例如《谢瑶环》（王艳主演）服装精致、盔头兼具传统与现代感，景虽传统但有合理变化，依靠演员扎实的“唱念做打”与优质服化，成功提升作品品质；《骆驼祥子》（江苏）创造“洋车舞”，舞美简洁且可灵活拆卸，为演员表演留足空间，成为戏曲现代戏经典；成都京剧院《薛涛》舞美设计（转盘、投影）与导演调度匹配度高，服装现代且舒适，但文本结构存在缺陷，这都凸显了剧本文学性的重要性。
2. 话剧
英国话剧（莎士比亚剧目）用土堆、水幕等意向性空间表达，兼具写实与创意，展现话剧舞美无限创新空间；上戏排演的音乐话剧《小沙渡》，多媒体设计因资金投入差异，与河南豫剧同类作品在精细度上存在明显差距，体现经济投入对舞美品质的直接影响。
撰稿学员简介
王建磊：新疆生产建设兵团猛进秦剧团舞美队副队长（主持工作），三级舞美设计师，新疆舞台美术协会理事。参与2023年中国歌剧舞剧院青海、新疆“订单式”人才培养计划。
参与作品：秦腔现代戏《在绿色的原野上》荣获第九届中国秦腔艺术节“特别推荐剧目奖”，第十届兵团精神文明建设“五个一工程”、豫剧大型新编历史剧《解忧公主》荣获第十七届中国文华奖提名剧目，第十九届中国戏剧节优秀剧目奖、新编历史剧《西域汉关》荣获第二届新疆文化艺术节优秀剧目奖，歌剧《伤势》荣获“金孔雀·中国民族戏剧”入围作品、舞蹈《食光里》荣获一等奖，现代戏豫剧《援疆柳》、沉浸式豫剧《杜十娘怒沉百宝箱》、秦腔现代戏《红星魂》、秦腔传统戏《赵氏孤儿》、秦腔传统戏《窦娥冤》、秦腔传统戏《火焰驹》、秦腔传统戏《墙头记》、秦腔传统戏《铡美案》、秦腔传统戏《回荆州》，昌吉州庆祝改革开放40周年文艺巡回演出启动仪式、昌吉州2019年春节文艺晚会、昌吉州2020年《幸福昌吉》春节联欢晚会多部剧目中担任舞美、道具设计等。
王建磊：听课心得与思考
作为一名基层戏曲院团舞美设计，我常年都在忙于基层慰问演出，此次《戏曲与话剧导演艺术的异同及建构方式》专题课程精准剖析了两类戏剧艺术的本质差异，为我立足新疆基层开展戏曲舞美设计提供了“辨本质、找定位、巧创新”的清晰思路，尤其解决了我对“地域特色与程式表达、成本限制与审美需求”方面的困惑。
一、辨本质：找准戏曲舞美的核心逻辑
老师的讲解帮助我明确了戏曲与话剧舞美的本质区别——关键在于“写意”与“写实”的美学分野。话剧依赖“物质支点”构建现实幻觉，而戏曲以“四功五法”为核心，凭借演员程式化动作实现“时空自由”，舞美需为这种虚拟性表演服务，而非单纯堆砌场景。
二、融地域：用精准符号讲好新疆故事
老师在课上强调戏曲舞美需贴合剧种特色，348个剧种的多元性决定了设计不能“一刀切”，这对新疆戏曲尤为重要。新疆戏曲融合多民族文化，舞美既要遵循程式原则，又要提炼独特地域符号，避免陷入“千剧一面”。
三、平衡术：在限制中实现务实创新
我们基层创作常面临预算有限、技术简陋的难题，课程中“戏曲舞美重精准、轻冗余”的观点提供了破局思路。戏曲时空自由的特性本就无需复杂布景，关键是在“空灵”中实现“精准表达”，这与基层条件天然契合。
基于此，我总结出基层创新路径：一是简化道具，用“符号化”替代“写实化”，如以彩绘布模拟天山，替代实体山景；二是善用低成本技术，通过灯光色温变化区分沙漠白昼与夜晚，用简易投影呈现河的流动感；三是坚持“精致化”原则，即便道具简单，也要在细节上打磨，如将花帽元素融入服饰配饰，让地域特色在细微处彰显，既符合时代审美，又不脱离基层实际。
四、守底线：在传承中把握创新尺度
老师提醒到戏曲创新需“谨慎精准”，不能盲目跟风话剧的多元样式，而要在“四功五法”的基础上做转化。新疆基层戏曲的观众既有老戏迷，也有年轻群体，舞美需在传统与现代间找到平衡点。
未来创作中，我将坚守两个原则：一是保留戏曲“景随人走”的核心优势，不破坏程式化表演的空间需求；二是适度融入现代审美，如在新编剧目中中，用简约金属框架搭建兼具传统戏台意象与现代设计感的结构，配合地域符号投影，既让老观众认可，又吸引年轻观众。
经过此次学习，我明晰：新疆基层戏曲舞美无需追求“大而全”，只需紧扣“戏曲本质、地域特色、基层实际”三个核心，便能以精准的设计为表演赋能，让传统戏曲在戈壁乡村既守住根脉，又焕发新生。
撰稿：王建磊
图片：李怡凡
校稿：刘盛元
编辑：苏祎然
项目负责人：曹林、沈倩