你是什么时候知道莫兰迪的？
又是什么时候真觉得他画的好的？
今天，咱们用几分钟，一起聊一聊莫兰迪的画，它到底好在哪？
以及他是怎么影响后来的艺术和设计的，比如电影大师韦斯·安德森。
▲ 韦斯·安德森的电影剧照
这一期，我们将从两大部分解说莫兰迪的画作和他的响影。
第一大部分，我们先从专业的角度，讲讲它的创作手法，比如构图、透视、光影、色彩这些东西。
第二大部分，我们聊聊他对后来艺术和设计的影响。
宇宙第一宅男
在说莫兰迪的作品之前，我们先来简单说说他的生平，这对于我们读懂他的作品有很大的帮助。
他生于1890年意大利的博洛尼亚，从小就喜欢画画。长大后考上了博洛尼亚美术学院。
毕业后留校任教，不社交，不结婚。整天都宅在家里画画。
他仅有一次的出国，也只是去苏黎世参观塞尚的画展。
就这样，他一生都在同一个地方，做同一件事，最后，把它做到了极致。
构图：几何中的秩序
要想了解莫兰迪的构图，到底是怎么想的，我们可以先回想一下，咱们学静物构图时，是怎样画的。
▲ 构图示意图
首先，我们的静物种类不能太过单一。
其次是摆放，要错落有致，有大有小，有疏有密。不然构图就会显得单调呆板。
最后是衬布的摆放，要起到引导画面的作用。
▲ 莫兰迪的《静物》
我们再看看莫兰迪的画，画面里只有一张桌子，和一些内向的瓶子、盒子。
就这？没了？
真没了！
▲ 莫兰迪的《静物》构图
你看，他的构图都是用这种“十字平衡法则”。
瓶罐永远居中，左右留白对称，阴影充当隐形的砝码。
比如画面偏左时，右侧必有深色阴影拉回平衡，像无声的天平。
他的构图堪称是“强迫症患者的治愈现场”。
▲ 莫兰迪的《静物》构图
而且桌子一定是水平的。
▲ 莫兰迪的《静物》构图
几个内向的瓶子、盒子都是站着的，紧紧包裹在一起。
什么摆放要错落有致，有疏有密。在他这，完全没有。
整幅画，唯一出画面的，只有桌子的那条水平线，全部的物体，都缩在中间的小方块里，给人一种强烈的孤独感。
克制到极致。
那他为什么这么做呢？
因为他知道，画家在表达画面情感时，构图、色彩都是工具。想法和情感才是核心。
所以，他尽力让构图变得简单，方便在里面加入各种巧思。
▲ 莫兰迪的《静物》
他通过物体的位置、大小、高低、前后遮挡，营造出丰富的空间感。
这种空间感并不是通过强烈的透视来实现的，而是通过微妙的物体关系和光影变化来表现的。
▲ 莫兰迪的《静物》
你看他的作品，他的静物不仅摆得很收敛，而且静物的造型也很收敛，他只挑那种最简单的形状，比如说方形、圆形和三角组成的瓶子。
而且，你仔细观察他所有的静物，都没有质感，没有高光，没有反光，基本上连光影都很少。他选择放弃了花里胡哨的形体和质感。
画画这件事儿，你放弃一些东西，就一定要抓住另外一些东西。
那他抓住了啥呢？
我们再来看看他的这幅作品。
▲ 莫兰迪的《静物》
是不是和上一幅没多大区别，但是这张和上一张相比，摆放的节奏丰富了很多。
其实，在莫兰迪之前，是很少有人这样摆静物的。
莫兰迪之所以会这样摆静物，就是他想减少图形对观者的干扰，让画面处于一种平缓的状态，加上他颜色的精妙搭配，给我们呈现出一种宁静、淡雅的氛围。
这就是为什么，我们看他的画，特别容易进入到冥想的状态。
说到这，让我想起了，南宋牧溪的《六柿图》。
▲ 牧溪的《六柿图》
它既不注重外形，又不重视水墨技巧的表现，从设色到距离感，都和宋画完全不一样。所以，它当时，并不被看好。
但它和莫兰迪的画，都有异曲同工之处，都很容易就把人带入冥想的状态。
现在《六柿图》在日本，被日本奉为国宝。
OK，我们说回莫兰迪。
▲ 莫兰迪的《静物》
我们先看看这些瓶口和瓶底的位置关系。
乍一看，我们可能看不出来什么特点。
▲莫兰迪的《静物》
如果，我们把它们连成一条线，我们就会发现，他们存某种巧合。
这一定是他故意摆出来的。
他想在这些静物之间，来回找某种巧合，专业一点的说法就是，他在找这些几何排列的秩序感。
我们再看回这张。
▲莫兰迪的《静物》
我们一下就明白了，你看，“1”和“4”，“2”和“3”的面积，都是差不多一样的，从而在视觉上，达到一种独特的平衡感。
▲莫兰迪的《静物》
还有这张，你看瓶子之间，那种若即若离的关系，让人看起来非常的舒服。
除了他们之间的距离之外，还有那两个瓶子挤压出来的一个负空间，造型、大小都和那两个瓶子差不多，只不过是倒了过来。
这种安排太奇妙了。
他的每一张画，都有这样的奇思妙想，由于时间关系，我就不在这一一细说了。
文末有他作品高清图的下载链接，有需要的小伙伴可以去领取。
OK，我们接下来，聊聊他的版画。
版画：线条中的静谧
▲莫兰迪的版画《静物》
你看，他版画的线条，简洁明了，没有过多的细节，专注于物体的基本形状和轮廓。
在表现物体的光影方面，他利用线条的密度和间距，巧妙地模拟光线的强弱和阴影的深浅，使平面的版画具有丰富的空间感。
同时，他的线条柔和流畅，没有明显的硬角或突兀的变化，给人一种宁静和谐的感觉。
这种简洁的处理方式，使作品具有一种纯粹而简约的美感。
第一排前景的瓶子就直接留白，形成剪影的效果。
第二排虽然也有一些瓶子，但它和背景都处于比较暗的光影里。我们可以把它和背景理解为同一层。
就这样，他通过物与物之间的遮挡关系，不仅拉开了画面的空间关系，又可以衬托出前景的剪影，让背景和剪影之间，形成了强烈的对比关系。
在这里，我们插播一下，对比与统一的关系。
▲ 对比与统一
对比与统一，或者说审美的趣味，是建立在统一形成的秩序感，和对比形成的冲突之间。
好的作品，总能在对比性和统一性之间，找到符合它所表达内容的平衡点。
给人一种视觉上的平衡，让人看起来舒服。
比对与统一之所以这么重要，可能和我们的认知过程有关。
单从视觉上说，没有足够的对比就看不到，没有统一的秩序就看不懂。
在此之上，才有形成审美趣味的可能。
对比与统一的规则，虽然看起来简单，但要做得好，考验的是画家的本事，也就是感官的敏感性、手上的控制力、和对不同审美倾向的理解力。
话说回来，这剪影有什么好看的？
最前面的静物不是应该刻画得更深入吗？
莫非，这里隐藏着什么玄机？
▲莫兰迪的《静物》
你看，他把剪影分成了3组。
第一组是3个图形组成，第三组是2个图形组成。唯独C位是单个瓶子的剪影。
他为什么这样分呢？
▲莫兰迪的《静物》解说
因为，他想通过，单一的形与形之间的重叠关系，变化出一个更复杂的图形。
▲莫兰迪的《静物》解说
我们再看这些剪影与剪影之间的挤压，从而形成的一些负空间。你看，这些负空间的形状，也都是精心安排的。
看到这里，我们就明白了，他为什么把最该深入刻画的地方留白了。
他就是想通过，物体与物体之间的重叠、挤压产生的各种关系，给我们呈现出一个更有想象力的空间。
因为莫兰迪知道，画家作画是一个过程，而观众看画时，又是另一个过程。
他只要给第二个过程留出足够的空间，这幅作品就更有想象的空间，就会更有魅力，也更有解读的深度存在。
最后，就是他在节奏上的安排。
▲莫兰迪的《静物》解说
你看画面里的瓶口与瓶底的关系。
瓶口和瓶口之间的高低差，是比较大的。
但瓶底的高低差就相对平缓，就像缓缓起伏的波浪，这和瓶口比较强势的高度差，形成了一个强烈的对比。
说了这么多莫兰迪刻意的安排，那是不是他的作画状态很拧巴呢？
不！完全不是我们想的这样。
▲莫兰迪的《静物》解说
莫兰迪是很享受这种作画过程的，你看他物体边缘的处理，不是努力把它画得工工整整。
而是在一种很松弛的状态下，用轻巧的笔触画出来的。
线条起伏灵动，让这些平平无奇的瓶子，都拥有了蓬勃的生命力。
聊完版画，我们来聊聊他的色彩。
莫兰迪色系：低调中的高级感
聊莫兰迪色彩的人比较多，咱们就不绕弯子了。
从色彩构成上讲，他其实是在降低色彩的纯度。
我之前写过两篇关于配色和色彩明度的文章，对色彩感兴趣的小伙伴，可以去看看，由于时间关系，我在这里就不赘述了。
莫兰迪的配色，大多都是以低饱和度、柔和的中间色调为主，像是米色、灰色、淡蓝色、浅棕色等。
▲ 红框内是莫兰迪的取色范围
在PhotoShop的拾色器里，我们就能直观地看到，上图中红框里的范围，就是他取色的一个范围。
他画中的灰色并不是单一的灰，而是由多种灰色组成，通过微妙的色彩变化，表现出物体的光影、质感和体积感。
这种细腻的色彩处理，让画面在柔和中又不失丰富性，传达着一种内敛的情感。
整体色调虽然偏灰，但每一种颜色都有微妙的差异。经过莫兰迪巧妙的搭配，总能给人一种宁静、淡雅的氛围。
莫兰迪对后人的影响
莫兰迪对后人的影响非常大，如果要选一个课代表的话，那一定是电影大师韦斯·安德森。
在他执导的电影里，随便截一张图，你都能感受到他顶级的“强迫症”给你带来的冲击。
▲ 韦斯·安德森的电影剧照构图解说
你看，他的构图，也是和莫兰迪的一样，永远都有这个“十”线。
▲ 韦斯·安德森的电影剧照构图解说
然后，再在里面把内容安排得明明白白，构图十分对称。
我们来3张他电影里的动态镜头感受一下。
▲ 韦斯·安德森的电影剧照
不得不说，这种绝美的构图和配色，看着是真舒服。
静谧中的艺术大师
莫兰迪以他独特的艺术风格，通过简单的静物、柔和的色彩、细腻的光影和几何的构图，创造出一种静谧而和谐的美感。
看他的作品不仅仅是视觉上的享受，更是一种哲学的思考。
莫兰迪用一生证明：最高级的美，不需要喧哗；最深沉的力量，往往藏在最安静的角落。
如果你也被莫兰迪的作品所打动，不妨在忙碌的生活中，停下来，静静欣赏一下这些平凡的瓶瓶罐罐，或许你也能从中找到一份内心的宁静。
OK，以上就是本期的所有内容。还想看谁的，欢迎留言或评论区告诉我。
下一期，咱们一起聊聊梵高的《星月夜》，咱们下期见。
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关注莫卓东，
用艺术之眼洞察现象背后的逻辑，
诠释艺术的本质，和审美的标准。
曾受《中国教育报》等13家权威媒体专访。
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